Im Halbdunkel des Saals, fernab der Scheinwerfer, die die Künstler krönen, befindet sich die Technik-Kabine von Cardamomo. Ein Heiligtum aus gedämpftem Licht und stillen Reglern, von dem aus der emotionale Sturm auf der Bühne gesteuert wird.
Dort arbeitet Tato, der Licht- und Tontechniker – der Hüter der Atmosphäre des Tablaos. Heute sprechen wir nicht mit dem Techniker, sondern mit dem Künstler hinter dem Mischpult.
Wir haben uns mit Tato in der Technik-Kabine zusammengesetzt, kurz bevor die Show beginnt. Die Atmosphäre ist ruhig, begleitet vom leisen Summen der Geräte.
Mit Licht malen, mit dem Blick fühlen
INTERVIEWER: Sprechen wir über deine erste Leinwand: das Licht. Für viele ist Licht einfach da, um sehen zu können. Aber in einem Tablao wie diesem scheint es eine andere Rolle zu spielen. Was ist für dich die wahre Aufgabe des Lichts in einer Flamenco-Show? Was willst du damit ausdrücken?
TATO: „Für mich besteht die wahre Aufgabe des Lichts darin, Empfindungen zu erzeugen, indem ich die Bühne und den Künstler einfärbe, um seine Absicht beim Tanzen zu unterstreichen. Ich versuche, diesen Punkt zu erreichen, an dem es wie ein Gemälde im Museum wirkt: Schatten, Lichtreflexe, Glanz, Hell-Dunkel, Halbschatten, Tiefe… der Eindruck.“
INTERVIEWER: Sprechen wir über ein sehr kraftvolles Werkzeug: den Spot von oben. Dieses eine Licht, das von oben herabfällt und den Künstler vollständig isoliert. In einer so kollektiven Kunstform wie dem Flamenco – wann entscheidest du, dass es Zeit ist, die Welt „auszuschalten“ und einen Sänger oder Tänzer in diese leuchtende Einsamkeit zu stellen? Was soll das Publikum empfinden?
TATO: „Der Spot von oben – das magische oder geheime Werkzeug. Es ist das präziseste, aber es erfordert, dass der Künstler gut positioniert ist (lacht). Ich sage das, weil es in spontanen Momenten schwer vorherzusagen ist, wo der Künstler stehen wird – und das ist wichtig.
Seine Hauptfunktion ist es für mich, das Gesicht und den Oberkörper zu beleuchten, um ein Gefühl von Schweben oder Erhebung zu erzeugen – als ob der Künstler göttlich wäre. Wird der Spot allein verwendet, entsteht der intimste Moment überhaupt, der die Aufmerksamkeit des Publikums maximal fokussiert. Und dann kommt die Farbe: Jede Frequenz ist eine eigene Welt.“
INTERVIEWER: Und dann gibt es das Gegenlicht, was im Flamenco fast eine Kühnheit ist. Es ist eine Kunstform, die vom Gesichtsausdruck lebt, und diese Technik verbirgt ihn vollständig. Welche Kraft hat für dich eine Silhouette? In welchen Momenten der Show kann ein Schatten mehr erzählen als ein sichtbares Gesicht?
TATO: „Das Gegenlicht ist ein Verbündeter, um Unsicherheit, Zweifel und die Angst vor dem Unbekannten zu erzeugen – die menschliche Angst, das Gesicht nicht zu sehen. Gleichzeitig definiert es auf künstlerische Weise die Silhouette oder den menschlichen Körper und zeigt jede einzelne Kurve. Visuell ist es besonders, weil es die Konturen des Körpers zeichnet. Es am Anfang, in einer Escobilla oder bei einem Stopp zu verwenden, und auch am Ende des Tanzes, kann sehr wirkungsvoll sein. Es ermöglicht außerdem eine künstlerische oder rhythmische Entwicklung des Tanzes.“
INTERVIEWER: Jenseits des weißen Lichts und der Dunkelheit des Schattens liegt die Farbe. Rot ist fast ein Synonym für die Leidenschaft des Flamenco. Wie entscheidest du, Farben einzusetzen? Wie verändert sich deine Farbpalette zwischen der Freude einer Bulería und der Feierlichkeit einer Soleá?
TATO: „Rot – ein Klassiker im Genre. Ich verwende Rot bei der Soleá por Bulería, bei der Seguiriya und manchmal auch bei der Soleá. Es passt einfach zu diesen Palos. Es ist etwas Synästhetisches oder Unaussprechliches, und zugleich weiß ich selbst nicht genau, warum. Auf gewisse Weise glaube ich, dass wir diese Farbe fast instinktiv oder unbewusst mit dem Flamenco verbinden – vielleicht auch wegen der Farbe der Rose.
Für eine Soleá por Bulería würde ich Rot-Blau oder Rot-Grün einsetzen, immer mit einer gewissen Progression, aber mit starkem Fokus auf Schatten und Halbdunkel. Für die Alegría dagegen das Gegenteil: Violett, Cyan, Türkisblau… generell Lebendigkeit und viel Helligkeit. Bei der Soleá suche ich ebenfalls das Halbdunkel, aber mit sehr warmer, gedämpfter Lichtstimmung – als ob man von Kerzen oder Öllampen beleuchtet würde, wie in einem alten Haus vom Anfang des zwanzigsten Jahrhunderts.“
Klang formen, Duende weben
INTERVIEWER: Wenn das Licht das Auge leitet, erreicht der Klang direkt das Herz. Auf der Bühne gibt es Gesang, Gitarre, Palmen, Cajón, Zapateado… ein Klanguniversum, das chaotisch wirken könnte. Was ist deine Philosophie, damit das Ganze kein Lärm wird, sondern ein perfekt ausgewogenes Gespräch?
TATO: „Das Wichtigste ist, gute Musiker zu haben, die sich gegenseitig verstehen (lacht). Man kann keinen guten Klang erzeugen, wenn es keine Symbiose und keinen Gleichklang zwischen ihnen gibt. Danach braucht man gute Akustik, gute Technik und schließlich ein gelungenes Zusammenspiel von Audio und Klang. Natürlich kann man das nicht machen, wenn man das Genre – in diesem Fall Flamenco – nicht versteht. Ich bezweifle, dass man das mathematisch lösen kann. Wir versuchen, die Musik des Ensembles klanglich zu verstärken, manchmal auch mit kreativen Elementen wie Reverb oder Delay. Die Balance liegt im technischen Kontrollpunkt – zuerst auf der Bühne, dann im PA-System – und in der Kreativität mit Klangfarbe, Dynamik, Stereo und Effekten.“
INTERVIEWER: Du hast uns ein Geheimnis verraten: Der Boden von Cardamomo ist mikrofoniert. Diese Detailverliebtheit ist beeindruckend. Warum diese Besessenheit, das Holz zu hören? Was willst du mit dem Zapateado über den bloßen Rhythmus hinaus ausdrücken?
TATO: „Die architektonische Akustik, die wir bräuchten, wenn wir den Boden nicht mikrofonieren würden, wäre wie beim Bau einer Pyramide (lacht). Ich meine, vor einem Publikum braucht man zuerst, dass der Boden wie ein Instrument gebaut ist, das von Natur aus gut klingt. Danach verstärken wir genau diesen Klang. Wenn ich den Klang des Bodens bearbeite, will ich das Gefühl simulieren, das ein Tänzer beim Auftreten hat – und sogar kleinste Details hörbar machen. Das lässt den Zuhörer alles näher empfinden.“
INTERVIEWER: Man sagt, ein guter Tontechniker modelliert den Klang wie ein Bildhauer seinen Stein. Kannst du uns ein konkretes Beispiel geben? Was „schneidest“ oder „verstärkst“ du im Klang einer sanft gespielten Gitarre oder in der gebrochenen Stimme eines Sängers in einer Seguiriya?
TATO: „Der Equalizer ist unser Werkzeug, um Frequenzen gezielt zu heben oder zu senken. Man könnte über tonale Sättigung sprechen, aber das würde hier keinen Sinn machen (lacht). Wenn wir über Live-Klang sprechen, müssen wir verstehen, dass er formbar ist – wie Ton. Jede Gitarre, jede Stimme, jeder Künstler, jeder Raum, jede Anlage… alles ist jeden Tag anders. Die Herausforderung im Live-Sound besteht darin, genau zu wissen, was man im jeweiligen Moment tun muss. Im Allgemeinen beheben wir zuerst mögliche Klangprobleme – danach versuchen wir, die klanglichen Eigenschaften und Qualitäten des Künstlers möglichst klar zu übersetzen.“
Der Musiker im Schatten
INTERVIEWER: All das wird auf der Bühne lebendig, wo nichts vorher geschrieben ist. Flamenco ist reine Improvisation. Ein Sänger bricht aus, eine Tänzerin beginnt plötzlich mit einem Zapateado… Du kannst keinem Skript folgen. Wie erlebst du diese Spannung vom Mischpult aus? Fühlst du dich als Künstler, der in Echtzeit mitimprovisiert?
TATO: „Die Spannung, die durch diese künstlerische Ungewissheit entsteht, hält mich wachsam — und genau dieses Adrenalin macht den Reiz aus. Ich sage nicht, dass der damit verbundene Stress immer angenehm ist (lacht), aber präsent zu sein, macht es besonders und spannend.
Natürlich fühle ich mich wie ein weiterer Künstler, obwohl unsere Arbeit im Allgemeinen weder erkannt noch gewürdigt wird. Tonmischung ist eine sehr komplexe Kunst; ich sage immer, Klang sieht man nicht — er ist also zwangsläufig abstrakt. Jedes Mal, wenn ich mit Flamenco arbeite, fühle ich mich verantwortlich dafür, Emotionen in Klang zu übersetzen, Linien zu zeichnen, Verbindungen zwischen den Musikern hörbar zu machen. Man braucht eine gewisse Synästhesie, um das umzusetzen. Zum Beispiel kann die Bewegung einer Tänzerin oder die Emotion eines Moments darüber entscheiden, wie viel Hall eine Stimme bekommt, oder ob ein Klang weich oder aggressiv wirken soll. Ich denke, all diese Entscheidungen basieren auf Intuition oder auf dem Verständnis für das Genre, den Künstler und den Moment.“
INTERVIEWER: Und diese Verbindung zu den Künstlern – wie entsteht sie? Gibt es jeden Abend einen Plan, stille Blicke während der Show, oder ist es reine Intuition, gewachsen durch viele Nächte voller Duende?
TATO: „Sie entsteht, wenn man akzeptiert, dass der Duende existiert — und dass er uns verbindet. Gleichzeitig braucht es auch Erfahrung, Ausbildung, einen eigenen Stil… Aber live regelt alles, was nicht vorher abgesprochen ist, die Verbindung zwischen dem Mischer und dem Musiker. Selbst ein Blick wird zur Sprache — daher sagt man auch: ‚Man mischt mit den Augen.‘ Doch all das erreicht man nur durch Praxis. Indem man es tut — wieder und wieder, live.“
Finale: Die enthüllte Magie
INTERVIEWER: Am Ende des Abends, wenn das Publikum für die Künstler auf der Bühne applaudiert – woran erkennst du, dass „diese Nacht geschafft ist“? Was ist dein stiller Applaus?
TATO: „Im Allgemeinen ist es der Applaus am Ende – selbst wenn es nur ein letzter Moment ist – der bestätigt, dass die Show oder das Geschehen das Publikum erreicht hat. Und daran erkennen wir, dass es funktioniert hat und unser Ziel – in einem Beruf wie diesem, in dem der Gast zufrieden gehen muss – erfüllt wurde.
Aber es gibt noch eine andere Perspektive: die des künstlerischen oder fachlichen Anspruchs. Ich vermute, je mehr wir als Künstler mit Musik und Tanz arbeiten, desto stärker wollen wir uns verbessern. Das heißt, wenn das Publikum keine Vorkenntnisse hat, ist es dann leichter, sie zu beeindrucken, weil Kunst so subjektiv ist? Was einen berührt, lässt einen anderen vielleicht kalt. Also funktioniert die Show vermutlich fast immer, aber… sollten wir uns wirklich nur auf die Reaktion des Publikums verlassen, um zu wissen, ob es wirklich Kunst war? Oder sollten wir unserer eigenen Wahrnehmung vertrauen, um herauszufinden, wie bedeutungsvoll es war?“
INTERVIEWER: Zum Schluss, Tato. Stell dir vor, du könntest jedem, der durch die Tür von Cardamomo kommt, etwas ins Ohr flüstern – etwas, das nicht nur die Augen und Ohren, sondern auch die Seele für deine unsichtbare Arbeit öffnet. Was würdest du sagen?
TATO: „Also gut – ganz ohne Witz – ich würde ihnen sagen: Während die Show läuft, redet nicht mit euren Sitznachbarn. Schaltet eure Handys aus und schaut euch die Show mit euren Augen an – so versteht ihr den Aufbau und die Gesamtheit des Tanzes. Und wenn ihr Lust habt zu klatschen… dann klatscht einfach. (lacht)“
(Der Interviewer bedankt sich bei Tato. Das Gespräch endet genau in dem Moment, in dem die ersten Akkorde der Gitarre zum Soundcheck erklingen – und Tatos Kabine erwacht wieder zum Leben.)
Nun kennst du Cardamomos bestgehütetes Geheimnis: den unsichtbaren Künstler namens Tato. Sein Licht beleuchtet nicht – es erzählt. Sein Klang verstärkt nicht – er webt Emotionen.
Komm nicht nur, um Flamenco zu sehen. Komm, um ihn zu spüren wie nie zuvor.
Die Magie wartet. Die Bühne ist bereit. Und die Regie auch.
